Animal Vegetable Mineral

Commissaire : Melanie Egan

28 janvier – 25 février 2023

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Présentée en primeur à l’automne dernier à Toronto au Harbourfront Centre, Animal, Vegetable, Mineral, une exposition commissariée par Melanie Egan, s’inscrit dans l’événement Nordic Spotlights, une série d’expériences uniques qui mettent en lumière les arts et la culture nordiques contemporaines. Cette exposition réunit des artistes du Canada, de l’Islande, Finlande, Norvège, Sápmi, Suède et Danemark.

Les bijoux sont l’un des plus anciens éléments d’identification culturelle. Il y a plus de 120 000 ans, déjà en préhistoire,  les humains se livraient à une « curiosité esthétique » (Smith 1974), en ornant leur corps de colliers de coquillages. Cette activité humaine a perduré pendant des millénaires.

La bijouterie contemporaine est un terme largement utilisé depuis les années 1960 et tout comme l’art contemporain, elle élargit notre vision de la société, de la culture, du monde en général et de nous-mêmes. Elle se différencie des autres pratiques artisanales parce qu’elle ne s’est jamais limitée à un seul matériau – il peut être animal, végétal ou minéral, ce qui ouvre de multiples possibilités. Les bijoux sont importants pour leurs associations directes avec les corps, leur capacité à transmettre des idées à un niveau intime et leur mouvement à travers l’espace et le temps.

À l’encontre des idées largement répandues sur ce qui constitue la  » haute joaillerie » et ce qui représente une valeur, ces artistes embrassent les débris et les détritus ; les os profanés d’une décision politique ; le négligé et le sous-estimé ; les conséquences cachées ; le récupéré, le restauré et le commémoré. À travers le catalyseur de la bijouterie contemporaine, les artistes utilisent des matériaux chargés de sens et le corps comme site pour affronter les questions d’identité, de critique sociale et de changement politique.

Melanie Egan a plus de 35 ans d’expérience dans le domaine de l’artisanat et du design. Elle est directrice de Craft & Design au Harbourfront Centre, la plus importante résidence d’artistes au Canada consacrée à la céramique, au verre, aux textiles, à la bijouterie et au design. Elle est conservatrice, organise des symposiums, donne des conférences, écrit, agit comme mentor et défend les métiers d’art et le design au Canada et à l’étranger.

Bridget Catchpole (Colombie-Britannique), Annette Dam (Danemark), Helga Mogensen (Islande), Alex Kinsley (Ontario), Tania Larsson (Gwich’in, Territoires du Nord-Ouest), Helena Johansson Lindell (Suède), Anna Rikkinen (Finlande), Máret Ánne Sara (Sámpi/Norvège) + matt lambert (USA/Suède), Catherine Sheedy (Québec), Despo Sophocleous (Nouvelle Écosse)

Animal Vegetable Mineral  – Biographies des artistes invités;

Bridget Catchpole. 

Artiste visuelle canadienne ayant une pratique en bijouterie et sculpture contemporaines, Bridget Catchpole vit sur le territoire non cédé de la Première Nation Kómoks de l’île Hornby, en Colombie-Britannique. Elle a étudié les beaux-arts (BFA 1998) à l’Université Concordia, Montréal, QC et Jewellery Art and Design (Dip 1993) au Vancouver Community College, Vancouver, BC.

Son travail est une exploration matérielle de la valeur et du gaspillage du plastique, un reflet du changement climatique anthropique, de la récupération et de la transformation.  Elle a présenté en 2022 l’exposition Still the Ocean Sounds the Same à la galerie Noel Guyomarc’h

Son travail récent, intitulé « Stages of Healing », ressemble à des carottes géologiques. Utilisant une palette évoquant des contusions cicatrisantes, l’œuvre fait un clin d’œil à un avenir où les plastiques n’empiètent plus sur l’environnement naturel mais ont été enfouis dans les strates géologiques de l’Anthropocène. Dans cet avenir, ces plastiques digérés géologiquement sont considérés comme une curiosité à collectionner, comme des curiosités minérales d’une époque   imprudente difficile à comprendre.

Annette Dam 

Annette Dam a fait ses études à l’Académie nationale des arts d’Oslo en Norvège en 1999. Ses œuvres ont été exposées au Danemark et à l’étranger. En 2015, elle a été sélectionnée pour le prix européen des arts appliqués du World Craft Council en Belgique. Dam a reçu le prestigieux Skt. Prix ​​Loye du Kjøbenhavns Guldsmedelaug.

“Mes bijoux sont créés dans un univers sensuel et narratif, alliant sérieux et humour. Il est considéré à travers une perspective amoureuse et critique visant des bijoux d’art communicatifs. Je cherche à créer des œuvres où l’artistique, le conceptuel et l’artisanat se rencontrent, et à travers une pratique d’investigation. Ce processus contribue activement à la conception et à l’expression finale. Parfois, cela ressemble à une énigme que j’ai du mal à résoudre : visualiser et matérialiser des pensées abstraites dans des bijoux portables. Cela devient un ping-pong d’investigation entre les idées, les compositions matérielles et mes compétences artisanales. Mais résoudre l’énigme est là où réside une grande partie de ma motivation. ”

Helga Mogensen 

Helga R. Mogensen est une artiste bijoutière diplômée du Edinburgh College of Art, en Écosse, en 2007. Depuis lors, elle a participé à des expositions en Islande et à l’étranger. Mogensen utilise une large gamme de matériaux tels que l’argent, le cuivre, l’acier, le bois flotté et la peau de poisson lors de la création de ses bijoux. Un endroit qui inspire son travail est le nord de l’Islande, où elle se rend chaque été avec sa famille. La proximité avec la nature et l’éloignement font de cet endroit son lieu de prédilection pour trouver l’inspiration. Toutes ses pièces sont des pièces uniques, et il n’y en a pas deux identiques. Mogensen vit et travaille à Reykjavik, en Islande.

Alex Kinsley Vey 

Alex Kinsley Vey est originaire de Hamilton, en Ontario, où il a reçu une formation en joaillerie de ses parents. Installé à Toronto depuis 2010, il a étudié au George Brown College, obtenant un diplôme supérieur en arts de la joaillerie en 2013. Vey a exposé son travail au Canada, en Europe et aux États-Unis. Il est membre de Craft Ontario depuis 2012, de Klimt02 depuis 2017 et est l’un des cofondateurs de MetalAid. Il a fait une résidence en Craft & Design au Harbourfront Centre de 2015 à 2019.  Vey est chargé de cours à temps partiel à l’Université OCAD et a déjà enseigné au George Brown College et à l’Université NSCAD.

Au sujet de sa nouvelle collection –

« Il y a trois morts. La première est lorsque le corps cesse de fonctionner. La seconde est lorsque le corps est envoyé dans la tombe. La troisième est ce moment, dans le futur, où votre nom est prononcé pour la dernière fois. » -David M. Eagleman

« La troisième mort est venue d’un lieu de regret personnel, n’ayant jamais connu mon Opa avant son décès en 2012. Cette série de broches photographiques est une tentative de prolonger sa troisième mort. Il s’appelle Oscar « René » Franz Ludwig Vey. De son enfance à Nuremberg pendant la Seconde Guerre mondiale, à son voyage au Canada et à son travail dans le mouvement syndical des métallurgistes à London, en Ontario. Ces fragments de sa vie sont tout ce qui reste.

Je grave ces photos de papier sur de l’acier, un matériau qui nous unit tous les deux (lui en tant que fondeur et mouleur, moi qui grandi à l’ombre des aciéries de ma ville natale) et dure beaucoup plus longtemps que les originaux en papier et acétate. Cependant, tout se décompose; la rouille nous donne un aperçu de cet avenir. L’entropie est une constante. Rien ne dure éternellement. »

Tania Larsson

Tania Larsson utilise des matériaux provenant de l’Arctique canadien. Elle exploite un studio de bijouterie à Yellowknife où elle conçoit et fabrique des bijoux faits à la main.

« Mon travail est guidé par les saisons : les peaux de caribou sont plus fines au printemps tandis que les peaux d’orignal plus épaisses se trouvent mieux à l’automne. Quand je tanne ma peau, je connais sa qualité et la facilité avec laquelle elle sera cousue en fonction de l’intensité de mon travail. Larsson a appris à perler de sa mère qui lui a appris à fabriquer son propre métier à perler. Avec l’aide de sa famille et de ses amis, elle a commencé à créer des bijoux à l’adolescence. « J’ai toujours voulu porter des bijoux qui représentaient ma culture gwich’in, et c’était vraiment difficile de trouver ça », dit-elle.

Après avoir étudié les arts à l’Institute of American Indian Arts, elle a fait son apprentissage chez la bijoutière Kiowa Keri Ataumbi où elle est tombée amoureuse des bijoux et de la parure. Sa passion pour le perlage, quant à elle, a été ravivée après avoir terminé un programme de leadership d’artiste au Musée national des Indiens d’Amérique de la Smithsonian Institution en 2015. « J’ai regardé tous les objets gwich’in qu’ils avaient dans leur collection. Ces objets qui appartenaient à ma nation étaient les plus belles œuvres d’art que j’avais vues. Lors de cette visite, je suis tombée sous le charme de la palette de couleurs des perles vintage et antiques. Leurs couleurs et leurs qualités étaient si différentes de la production de perles d’aujourd’hui.

Helena Johansson Lindell

Helena Johansson Lindell est une artiste et créatrice de bijoux basée à Stockholm, en Suède. Elle a étudié au Konstfack University College of Arts, Crafts and Design à Stockholm et au KHIO, l’Académie nationale des arts d’Oslo en Norvège. Son travail solo a été montré dans les régions nordiques, en Asie, aux États-Unis et au Brésil. Des expositions ont eu lieu à l’International Craft Fair et It’s Green à la Galerie Handwerk de Munich, en Allemagne, ainsi qu’à la 6e Triennale européenne de la joaillerie contemporaine qui a tourné en Belgique, en Suède et en France.

Helena Johansson Lindell travaille avec des structures hiérarchiques et des idées préconçues dans le domaine de la joaillerie contemporaine. Elle embrasse des matériaux et des méthodes qui, d’un point de vue sociétal, sont considérés comme de faible statut. Son objectif est que son métier insuffle un sentiment de permission, que tout est permis sans jugement, un sujet d’actualité et significatif.

L’artisanat contemporain suédois a connu un fort développement tout au long des années 2000 et détient un niveau international exceptionnellement élevé. Néanmoins, l’artisanat est rarement vu ou présenté dans des contextes plus larges ou dans des initiatives politiques. Peu de pays peuvent égaler notre line-up suédois d’artistes aux multiples facettes travaillant dans le domaine – nous avons une occasion en or de les montrer. déclare Maj Sandell, directeur du Konsthantverkscentrum.

Anna Rikkinen

L’artiste plasticienne et bijoutière finlandaise Anna Rikkinen vit et travaille à Lahti, en Finlande. Élevée dans un milieu de village esthétique et formée aux arts décoratifs, elle crée des œuvres qui s’inspirent de sources telles que le portrait hollandais des XVIIe et XVIIIe siècles et les vêtements africains, ainsi que la mode historique et les ornements architecturaux et domestiques. Le travail de Rikkinen va des sculptures portables aux objets et installations liés au corps. Elle tente d’évoquer le corps en jouant avec le langage du volume et de l’espace. Pour le Harbourfront Centre, Rikkinen présente des sculptures de bijoux à grande échelle faites d’objets en bois, comme des ustensiles quotidiens et des souvenirs. Elle récupère des matériaux indésirables, reconfigurant des ustensiles de cuisine en bois trouvés à partir de choses fades et pratiques en grappes mystérieuses. À partir des caractéristiques du ready-made, Rikkinen crée des artefacts tactiles qui révèlent l’absurdité de nos actions et de notre cupidité.

Máret Ánne Sara

Máret Ánne Sara est artiste et auteur. Elle est issue d’une famille indigène d’éleveurs de rennes sami à Kautokeino, dans le nord de la Norvège, et elle vit et travaille actuellement dans sa ville natale.

Sara est l’initiatrice et membre fondatrice du collectif d’artistes sâmes Dáiddadállu. Elle a publié deux romans et a été nominée pour le prix de littérature pour enfants et adolescents du Conseil nordique en 2014 pour son premier livre Ilmmid gaskkas.

Sara expose des arts visuels depuis 2003 et traite souvent de questions politiques et sociales, d’un point de vue social sami et renne-sámi. Son vaste projet artistique Pile o’Sápmi a été présenté à la Documenta 14 à Kassel en 2017 et acquis plus tard par le Musée national de Norvège. En 2022, elle est l’une des trois artistes sâmes qui ont transformé le pavillon nordique en un premier pavillon historique sâme lors de la 59e Biennale de Venise.

matt lambert

matt lambert est un collaborateur et co-conspirateur non binaire, trans et multidisciplinaire qui travaille pour l’équité, l’inclusion et la réparation. Leur pratique est basée sur la polydisciplinarité, mêlant fabrication, écriture, commissariat, collaboration et performance. lambert est actuellement doctorant. candidat en artisanat à l’Université d’art, d’artisanat et de design de Konstfack à Stockholm, en Suède, et a publié, organisé et exposé à l’échelle internationale. Ils ont une maîtrise en théorie critique de l’artisanat du Warren Wilson College et une maîtrise en métallurgie de la Cranbrook Academy of Art.

lambert s’intéresse à la relation du corps, de l’objet et du lieu et aux mouvements ou constellations qui se forment entre ces points. En habitant ces espaces queer ou liminaux, ces interactions acquièrent leur force en tant que force encore à explorer pour son potentiel en tant qu’acte terroriste envers les institutions occidentalisées et coloniales. lambert collabore avec des artistes multimédias d’un vaste éventail de disciplines pour reconfigurer les systèmes culturels actuels de la queerness et de la politique du corps tout en défiant les frontières de l’artisanat.

Catherine Sheedy

Formée en joaillerie et en orfèvrerie lors de son diplôme de trois ans à l’École de joaillerie de Québec, Catherine Sheedy a poursuivi ses études en arts visuels à l’Université Laval, où elle a obtenu sa maîtrise en beaux-arts en 2007. Son intérêt pour la joaillerie contemporaine l’a amenée à participer dans des ateliers expérimentaux et des programmes d’artistes en résidence. Sheedy a présenté son travail dans plusieurs expositions et publications au Canada, aux États-Unis, en France, en Espagne, aux Pays-Bas et au Royaume-Uni. Elle a été récipiendaire de bourses du Conseil des arts du Québec et du Conseil des arts du Canada. Elle a remporté des prix, dont le Trophée de l’acier de la Guilde des arts métalliques du Canada 2013 et le Prix Jean-Marie Gauvreau 2017, la plus haute distinction du Conseil des métiers d’art du Québec. Les œuvres de Sheedy sont présentées par la galerie Noel Guyomarc’h à Montréal et font partie des collections du Musée des métiers d’art du Québec (MUMAQ) et du Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM).

Despo Sophocleous

Née en Nouvelle-Écosse, Despo Sophocleous est titulaire d’un BFA en conception de bijoux et en orfèvrerie du Nova Scotia College of Art and Design University. En 2015, elle termine ses études supérieures à l’Académie des beaux-arts de Munich. Son travail a été exposé à l’échelle nationale et internationale et se retrouve dans des collections privées et publiques. Sophocleous est récipiendaire de plusieurs prix, dont la bourse d’études supérieures Deutscher Akademischer Austausch Dienst (DAAD) et le prix Herbert Hofmann. Elle a reçu du soutien pour son travail d’Arts Nova Scotia et du Conseil des Arts du Canada.

Le mouvement, la cartographie et l’architecture sont au cœur du travail de Despo Sophocleous. Ses colliers sont une articulation visuelle du vocabulaire du lieu, d’être à un certain endroit à un certain moment ainsi que des effets transformateurs du mouvement et du changement et de l’immobilité qui accompagne l’arrêt. Reliées par des cordes comme des marionnettes, les pièces sciées conservent leurs marques de brouillon – des lignes cartographiant son processus de fabrication. Il y a unité et symétrie dans la composition des formes, tombant doucement et en rythme comme du sable traversant un sablier.